Es beginnt vor dem Einlass, da steht eine Kulissenwand im Bockenheimer Depot. Mit eingebohrten Löchern, durch die man linsen kann – eine wunderliche Peep-Show, die den Blick in einen Raum voller Pappkameraden öffnet. Pappfiguren der Tänzer, mit clownesk verzogenen Gesichtern, als zerre der Teilchenbeschleuniger an ihnen. Die Bühne liegt dahinter, eine breite Fläche, überall liegen katzenkopfgroße Kugeln aus schwarzem Gaffa-Klebeband. Einmal mehr hat Forsythe mit dem Komponisten Thom Willems zusammengearbeitet, dessen Musik einen Klangkörper ausbildet, der das weite Bockenheimer Depot füllt, ihm tönendes Fleisch auf die hölzernen Rippen gibt.

Es wird viel geredet an diesem Abend. Die wunderbare Performerin Dana Caspersen etwa, die ein geradezu grotesk bewegliches Gesicht hat und der die Worte in die Mimik zu wachsen scheinen, spricht von Materialisierungen und Dematerialisierungen, von Anziehungen und Abstoßungen sowie der stets andauernden Bewegung, die die Dinge eint, ohne sie miteinander zu verbinden.

Hochkomische Urknallserenade

Und der Chor der Tänzer spricht Playback mit, denn Caspersens Stimme kommt vom Band – auch dies ein Materieklau, der dieser Stimme gleichzeitig viele Gesichter verleiht. So werden Seinszustände körperlich durchdekliniert, Kausalitäten aufgehoben, die 16 Tänzer bilden flüchtige Allianzen, feiern auch mal eine kleine Party, und dazu sagt jemand vom Bühnenrand: "Life is just a party, and partys weren't meant to last." Überall blitzen Endlichkeit und Kreatürlichkeit durch, und am besten lässt sich von diesem Abend in Momenten sprechen.

Da spielt David Kern den Urknall, nein, viele Urknälle, indem er die Gaffa-Kugeln durch den Raum feuert, beim Aufprall ertönt ein lauter Schlag: BOOOM! Und Kern gewinnt Lust am Knall, ein verrückter, schlaksiger Schöpfergott, der über die Bühne tänzelt und mit seinen Zeitbomben wirft – oder sich gleich auf sie herabplumsen lässt. RUMMS! Eine hochkomische kleine Urknallserenade.

Ohnehin sind Komik und Schmerz hier eng verwandt, macht der zärtliche Blick auf die Dingwelt Liebe und Materie zu einem untrennbaren Paar: Immer wieder taucht der Songtext von Gloria Gaynors "I will survive" auf – zu Beginn spricht ihn Tilman O'Donnell in eine lange Pappröhre herein, einen Verzerrer und Verstärker: "At first, I was afraid, I was petrified…" In diesem schnarrend-verfremdeten Sprechen der eigentlich so ausgelutschten Liedzeilen entdeckt man die Brutalität des Verlassenwerdens wieder, den ganzen großen Trotz der Behauptung: "I will survive!"

Ein Stück Unfassbarkeit und Überwältigung

Ein anderer Liedtext, den Caspersen spricht, raunt, faucht und schreit, ist Screamin Jay Hawkins' "I put a spell on you". Die schaurig-böse Markierung eines anderen Menschen als Geliebten wider Willen. Und dann wirft sich Cyril Baldy mit tierischem und doch allzu menschlichem Atmen, Wimmern, Glücksglucksen auf Christopher Roman, schnüffelt an seinen Beinen entlang, und beide beginnen einen Zwiegesang des Begehrens, bei dem Baldy – Nase voran! – der Anstürmende, Bedrängende bleibt. Eine schnüffelnde Entdeckung des anderen Körpers, eine mutwillige Be- und Versteigung.

Wenig später schiebt und hebt sich Yasutake Shimaji über den Boden, als rollte sanft eine Bleikugel durch seinen Leib und verlagere seinen Schwerpunkt mal in den linken Zeigefinger, dann ins rechte Schulterblatt, ins Knie. Wie das gesamte Stück voll ist von berückenden, bedrückenden Kippfiguren, leichtfertig und bedrohlich.

"I don't believe in outer space" ist ein Titel wie ein Bekenntnis, das man umgehend Forsythe selbst zuschreiben möchte – hochgradig persönlich wirkt das Stück allemal. Es kriecht in die Knochen und jagt Schauer über den Rücken, es macht sehr glücklich und ebenso elend, ein Stück Unfassbarkeit und Überwältigung. Eine Verführung, die den Blick aufs Diesseits lenkt und das Naheliegende ins Visier nimmt, die Greifbarkeit von Mensch, Ding und Welt. Und die die verstörende Schönheit, Stärke und Fragilität der Materie in der Einmaligkeit entdeckt, in ihrem Sein zum Tode.

I don't believe in outer space
von William Forsythe
Choreografie und Bühne: William Forsythe. Musik: Thom Willems. Sounddesign: Niels Lanz. Mit: Yoko Ando, Cyril Baldy, Sether Balfe, Dana Caspersen, Amancio Gonzalez, David Kern, Fabrice Mazliah, Roberta Mosca, Tilman O'Donnell, Nicole Peisl, Christopher Roman, Jone San Martin, Parvaneh Scharafali, Yasutake Shimaji, Elisabeth Waterhouse, Ander Zabala.

www.theforsythecompany.de

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Kritikenrundschau

"So viel Vielfalt war schon lang nicht mehr bei William Forsythe", begeistert sich Ruth Fühner im Deutschlandfunk (21.11.). "Und so viel Farben: hell und düster, grell und pastell, komisch und abgrundtief melancholisch." Es sei genial, wie Forsythe unterschiedlichste Atmosphären und Diskurse in ihre Bestandteile zerlege, winzige wieder erkennbare Partikel isolieren und mit seiner originären Tanzsprache kombinieren würde. Für Fühner entsteht auf diesem Weg ein Kosmos, "der immer unverkennbar Forsythe ist, der Horizonte aufreißt, in denen jeder allein ist mit seinen Assoziationen und die trotzdem ihren jeweils eigenen rätselhaften Duft haben." Der Abend hat sie einmal mehr in den Kern von William Forsythes Ästhetik geführt: "die Dezentrierung des Körpers und des Blicks". Konsequenz sei jedoch auch eine "fast achtlose Großzügigkeit", mit der Forsythe seine Einfälle an diesem Abend herschenken würde. "Und immer erhascht man als Zuschauer nur einen Bruchteil des gleichzeitig Geschehenden."

Besonders der "fulminante Auftritt" von Dana Caspersen hat es Dagmar Klein angetan, die für die Gießener Allgemeine (22.11.) schreibt. Caspersen sei mit ihrer klaren Diktion des Englischen schon immer eine wunderbare Geschichtenerzählerin gewesen, steigere sich jetzt aber "in schier unglaubliche Exaltationen".

Als "Figuren im digitalen Auflösungszustand, lächerlich und gruselig zugleich" hat Wiebke Hüster in der Frankfurter Allgemeine Zeitung (22.11.) William Forsythes Tänzer wahrgenommen, die der Choreograf auch diesmal wieder zu einer "Figurenparade jenseits von Gut und Böse", zum "häufig komischen Bühnenschreckensbild der Gegenwart" gruppieren würde. Doch nicht alles an diesem Abend erscheint ihr triftig. Mitunter wirken die Teile so disparat auf sie, dass das Lachen der Zuschauer für sie oft ihre einzige Verbindung zwischen ihnen bleibt. Es ist, lesen wir, die "eines Balanchines würdige Szene wie aus einem so noch nicht gewagten Sommernachtstraum" darunter. Manchmal aber möchte Wiebke Hüster angesichts all der Zitate aus Musik, Film- und Literatur, die ihr um die Ohren fliegen, auch ein "Achtung, Kultursteinschlag!"-Schild aufstellen. Die sich durch die "durchweinten Nächte der verlassenen Cher" "grimassierde" Dana Caspersen kommt bei ihr nicht gut an. Der Rest sei Verwirrung.

Als leichte und bühnenfreundliche "Abfolge von Nummern für ein, zwei oder viele Darsteller" hat Peter Michalzik in der Frankfurter Rundschau (22.11.) den Abend durchaus genossen, der ihm in manchen Momenten jedoch wie eine Revue erschien, "deren Prinzip ja nun mal darin liegt, dass sich die Nummern überbieten". Diese Nummern sehen für Michalzik dann im Verlauf des Abends mehr und mehr "wie Zitate aus, die man nicht entschlüsseln kann", weshalb der Abend dann aus seiner Sicht zunehmend auf eine parodistische Ebene rutscht, ohne dass jedoch das Parodierte klar werden würde. Manchmal findet Michalzik das lustig, gelegentlich sogar heiter. "Etwa zur Hälfte beginnt die eineinhalbstündige Aufführung trotzdem etwas zu schwimmen, als habe sie zwischen Bewegung und Parodie ihre Linie noch nicht ganz gefunden. Ein Tribut, den der Zuschauer aber gern Forsythes schwebender Arbeitsweise zollt." Doch das Ende fügt sich dann wieder für ihn.

"Keine choreographische Supernova" aber "allemal ein entwicklungsfähiges Stück Tanztheater" hat Dorion Weickmann gesehen, der für die Süddeutsche Zeitung (22.11.) im Bockenheimer Depot gewesen ist. Forsythe habe gemeinsam mit seiner Kompanie "ein absurdes Weltraumlabor zusammengerümpelt". Allerdings würde er dort weniger den "interplanetarischen 'outer space'" als "vertraute innerweltliche bis intime Konstellationen" untersuchen. Dabei sieht Weickmann manchen Darsteller schwächeln, manchen gar daran scheitern, "eigene Impulse zu akzentuieren und sich in ein expressives Moment hineinzuschrauben, das die bloße Theaterhuberei hinter sich ließe". Doch grundsätzlich ist "das kinetische Energiefeld der Expedition", wie er findet, "durchaus positiv geladen". Gleich im zweiten Bild sieht er sich das Ensemble in ein fesselndes Fußballspiel wider Willen verheddern und dabei kreisrunde Plastikobjekte kreischend durch den Raum katalputieren. "Ein jeder kämpft hier seinen eigenen Kampf, mit sich selbst wie mit den Dingen. Heiterer und selbstironischer lässt sich weder Forsythes persönliches Steckenpferd, die Bewegungsforschung, noch die Eigenart menschlichen Verhaltens abbilden."

Für Jochen Schmidt, der den Abend für Die Welt (22.11.) bespricht, oszilliert der Abend zwischen Genie und Wahnsinn, Lachen, Weinen und Zähneknirschen, kommt aber nicht wirklich auf den Punkt. Zwar zeige William Forsythe "den Wahnsinn unserer kaputten Zivilisation" und spiele "Pingpong mit dem Chaos". In einer der zentralen Szenen des Stücks beschwöre das Ensemble, vorwiegend verbal "eine große Kreisbewegung, die alles Leben zermahlt und verschwinden lässt". Doch spätestens im Finale sieht Schmidt das Stück im Dunkel versickern. Thom Willems' Musik untermale all das "mit eher sanften, psychedelischen, mit ab und an einen harten Akzent setzenden Klängen, ganz so, als wolle er den Wahnsinn der Szene eher bremsen als anstacheln."