Wagen wir 2020 einen Blick hinein in die gute Stube. Kurzer Blick auf die Uhr. Oh, es ist schon spät. Pssst. Still. Wir spähen durchs Schlüsselloch ins Schlafzimmer hinein.

Aha! Da sind sie. Da liegen sie. Ein altes Ehepaar, Rücken an Rücken.

Sitzen sie im Restaurant, da ist der Höhepunkt einer Konversation die Bestellung beim Kellner. Den Rest der Zeit wird stumm aneinander vorbeigeschaut. Was sollte man sich auch sagen? Du hier / Ich dort / WIR fort.

So ergeht es den Berliner Theatern und der dazugehörigen Kritik.

Man sagt sich „Guten Tag!“. Man verträgt sich. Man lässt sich in Ruhe. Mehr nicht. Wären die Kinder nicht, eine Trennung stünde unmittelbar bevor. Da müssen die Kinder es eben machen. Wir wollen, dass sich wieder in die Augen geguckt wird, ungeschminkt und ohne Sonnenbrillen.

Die Krise des Theaters ist nur durch die Überwindung der Trennung von Theater und Kritik zu meistern.

Welchen Nutzen hat Kritik in der jetzigen Form? Keinen! Entweder es wird gelobt oder es wird verrissen.

Wenn es überhaupt zur öffentlichen Kritik kommt! Kürzlich wurde darüber berichtet, wie Papa Oliver der Mama Stephanie ihr gekochtes Allerlei vom Herd wegnahm und in den Ausguss kippte. Den Kindern zuliebe!

Immerhin: Er hatte vorher einen Löffel probiert und es für versalzen befunden. Das kann man den Kindern nicht vorsetzen!

Ein offenes Forum muss geschaffen werden. Endlich Austausch statt Abgrenzung. Wieso wird Regisseuren und Regisseurinnen nicht die Möglichkeit eingeräumt auch nach der Premiere weiter an einer Inszenierung zu arbeiten? Ja, Herr Meier Müller Schmidt, ich hör Sie sagen: „Mein guter Franz, aber wie soll das gehen. Das ist nicht möglich. Da gibt es Termine. Das ist der Betrieb!“ Ich antworte: „Ja, mein guter Herr Müller, dann ändert eben den Betrieb!“

Die Berliner Freie Szene steht da vor anderen Problemen. Als Theatermacher/in ist es schwierig jemanden ausfindig zu machen, der/die gewillt ist, eine Kritik über eine Theaterarbeit anzufertigen. Die „Big Player“ der Szene sind zwischen vierzig und fünfzig Jahren alt und versorgt. Alle anderen kriechen ächzend über die Bretter, die die Welt bedeuten und fragen sich, ob sie das Salz oder das Haar in der Suppe sind. Nur interessiert sich niemand für die Suppe.

Da kommen wir ins Spiel. Wir nehmen unsere nachhaltig hölzernen Löffel zur Hand und sind hungrig. Unsere Leibspeise ist experimentelles und politisches Theater.

Wir interessieren uns für Theater, das risikofreudig ist Wege zu beschreiten, die erst gegangen werden müssen.

Weg vom Produkt-Gedanken. Weg von Vermarktungsideen.

Für eine Rückkopplung von Theater und Kritik.

Für ein offenes Forum.

Für Experimente.

Die Webseite befindet sich derzeit im Umbau und soll demnächst in neuem Gewand und mit neuen Inhalten erscheinen.

„Die Eule und das Kätzchen“

 

Carl Spitzwegs „Der arme Poet“ gehört zu den bekanntesten Bildern der deutschen Malerei. Wilton Manhoffs Komödie „Die Eule und das Kätzchen“, die momentan im „theater…und so fort“ unter der Regie von Konrad Adams läuft, hat genau solch einen armen Poeten als Protagonisten.

Der erfolglose Schriftsteller und Poet Felix Sherman lebt alleine in seinem Stadtappartement und verdient sich seinen Lebensunterhalt als Bücherverkäufer. Als die erfolglose Schauspielerin Doris aus ihrer Wohnung geworfen wird, weil Sherman sie bei ihrem Vermieter wegen Prostitution angeschwärzt hat, quartiert sich Doris kurzerhand bei Felix ein. Die beiden streitet sich, vertragen sich, trennen sich, um am Ende fest zustellen, dass sie beide ohne einander nicht wirklich leben können.

Das Bühnenbild ist leicht an das Spitzwegs Bild „Der arme Poet“ angelehnt. So findet sich, neben der Matratze mit darüber aufgespanntem Schirm, ein aus Büchstapeln zusammengesetzter Tisch, wieder. Ein Bücheregal eine Couch, und eine Schreibmaschine auf einem anderen Tisch komplettieren die Einrichtung. Nathalie Seitz spielt eine lebenslustige und leicht überdrehte Doris, die trotz ihrer Macken liebenswert ist. Hinter der so selbstbewussten Person versteckt sich jedoch ein weicher Kern. Alexander Wagner gibt einen philosophischen Poeten, dessen Glaube an Logik und Vernunft durch Doris ins Wanken gerät. Er leidet unter seiner Erfolglosigkeit als Schriftsteller, da ihm nichts lieber wäre als die ungeteilte Aufmerksamkeit der Leserschaft. Die beiden Schauspieler ergänzen sich perfekt; es wird keine Sekunde langweilig den beiden beim Spielen zu zusehen.

Das Stück handelt von der Liebe zweier nur scheinbar grundverschiedener Charaktere, die durch ihre Liebe sich und den anderen akzeptieren lernen, wie er ist. Der Zuschauer erlebt in jedem Fall einen amüsanten Abend mit zwei hervorragenden Schauspielern.

Vorstellungen gibt es noch vom 27.12.-30.12.2015 und am 02.01.2016 jeweils um 20:00 Uhr, sowie an Sylvester (zwei Vorstellungen) im „theater… und so fort“. Weitere Informationen und Tickets unter http://www.theaterundsofort.de/ .

„Die Welt ist eine Kloake/ Man muss sie ausräumen“, wettert der zunächst völlig hilflos wirkende „Weltverbesserer“, während er von seiner Frau in den Sessel gehievt und in Position gebracht wird, um mit seinem Monolog zu beginnen. Im Morgenmantel, barfuß und zerzaust sitzt er nun da und lässt – immer wieder unterbrochen durch Klagen über seinen Gesundheitszustand – jene bekannten bernhard’schen Hasstiraden ab: Die Welt ist eine Kloake, sie müsste ausgeräumt werden, aber weil naturgemäß niemand diese Kloake räumt, bleibt sie was sie ist. Kein Weltverbesserer ist in der Lage diese „Weltkloake“ nachhaltig zu säubern. Meist fehlt es auch an Durchhaltevermögen, wie die kleine Geschichtsstunde deutlich macht. Gandhi, Voltaire, Willy Brandt: alle tot – Snowden: fast tot.

Überwiegend dreht sich der abendfüllende Monolog um die Ehrendoktorwürde an jene namenlose Person des Weltverbesserers, die an diesem Tag stattfinden soll. Ein paar Herren werden zum Essen erwartet, um ihm den Titel zu verleihen, den er sich durch sein „Traktat zur Verbesserung der Welt“ verdient hat. Unglücklicherweise wird gerade durch die ihm hierfür verliehenen Titel und Orden deutlich, dass niemand sein Traktat verstanden hat. „Mein Traktat will nichts anderes/ als die totale Abschaffung/ Nur hat das niemand begriffen/ Ich will sie abschaffen/ und sie zeichnen mich dafür aus“.

Man hört ihm gerne zu, diesem Weltverbesserer, obwohl kaum einer sagen könnte, was das unerträglich Bernhardsche erträglich macht. Die Aufführung im Rationaltheater ist wohl nicht zuletzt deshalb mehr als erträglich, weil Titus Horst in der Hauptrolle absolut überzeugt und allen Zuschauern den bernhardschen Humor greifbar machen kann. Andreas Wiedermann gelingt eine solide Inszenierung, voller Hingabe an die sehr anspruchsvolle Sprache, im entspannten Ambiente des Rationaltheaters – ein Thomas-Bernhard-Abend durch und durch.

Nur noch heute, am 20. März, zu sehen, um 20 Uhr im Rationaltheater!

Kleines Theater – Kammerspiele Landshut

Im Foyer des kleinen Theater – Kammerspiele Landshut entfällt die Distanz schaffende Bühne vollends, wodurch der Zuschauer die fieberhafte Stimmung des Leidenden bis unter die Haut zu spüren bekommt. Es bedarf hier keines Podestes als zwischen Schauspieler und Zuschauer trennendes Element, im Gegenteil: Publikum und Schauspieler erleben einen gemeinsamen erfahrbaren Raum, der auf eine artifizielle Verkleidung der Bühne als „fiktives Außerhalb“ der Realität zu Gunsten einer Verschmelzung von Zuschauer- und Bühnenraum, verzichtet. Das fiese Ein-Personen-Stück von Wallace Shawn, von Gabriele Gysi inszeniert, ist in seiner Penetranz dazu geschaffen, den Zuschauer schonungslos und unangekündigt zu infizieren.
Den Auftakt des Stücks bestimmt das sinnesfreudige Ertönen einer live gespielten Violine, die unverschämt Unschuld suggeriert und vom klagenden und wahnhaften Auftritt des Schauspielers Knud Fehlauer konterkariert wird. Dieses Changieren zwischen einerseits ästhetischer Sanftheit und einer ungeschminkten thematischen Grobheit macht sich Gabriele Gysis Inszenierung zum Prinzip.

Doch was sind die Ursachen des Leidens und welche Nebenwirkungen gehen damit einher?
In Form eines Selbstgesprächs geißelt sich ein Mensch aus bürgerlichen Milieu, als er sich die Ungleichheit zwischen Arm und Reich, Leid und Luxus auf eine hemmungslose und niederschmetternde Weise vor Augen führt. Im Bar-Bereich des Theaterfoyers, der gleichzeitig einen Teil des Bühnenbildes darstellt, spiegelt sich die Zerrissenheit des Protagonisten wider. Hektisch gräbt er in der Zeitung auf der Suche nach einer tragischen Schlagzeile, die das menschliche Leid dokumentiert, als müsste die wahre Realität jenseits der aufgebauten Fassade erst durch schwarz auf weiß geschriebene Indizien bewiesen werden, um sich seiner gewahr zu werden. In dem hitzigen Monolog repräsentiert er Kläger und Angeklagter zugleich und entkleidet sich der Lebenslüge eines Bildungsbürgers, die nur in einer von Realität abgekoppelten Schein-Welt Bestand hat. Er geht hart ins Gericht mit den an der Oberfläche der Gesellschaft tradierten Wert- und Moralvorstellungen, mit denen sich viele schmücken und der tatsächlich verinnerlichten Humanität auf der anderen Seite. Das Fieber stellt die Frage nach Schein oder Sein sowie nach der Bereitschaft, die Diskrepanz zwischen Wissen und Handeln zu überwinden. Erst das Überschreiten der gepolsterten Schutzhülle der Wohlstandsgesellschaft, das der Protagonist als Aufwachen in einem fremden und armen Land umschreibt, welches die eigene Sprache nicht spricht, entlarvt sich die normative Humanität als Farce. Knud Fehlauers Monolog trägt den moralischen Konflikt nach außen, der aus der Frage herrührt: Wie viel Verantwortung trägt das Individuum und auf wie viel Wohlstand ist der Einzelne bereit zu verzichten? Dementsprechend korrespondiert die aus dem Dilemma heraus schreiende Verzweiflung, die ihn neurotisch im Raum hin und her laufen lässt. Er wirft fragmentarisch Lebensfragen in den Raum, die assoziativ anmuten und nahtlos verschmelzen. Er ist das Sinnbild eines Bildungsbürgers, der sich die Frage nach humanitärem Handeln stellt, der aber gleichzeitig konstatiert, dass er auf Annehmlichkeiten des Lebens nicht verzichten will. Seine Anklagen werden vom Bedürfnis nach Kunst und Kultur stimmungsschwankend kontrastiert, als er plötzlich beim Ertönen der Geige krankhaft tanzt und singt und sich abwechselnd zu seinen Klagen mit Whisky betrinkt. Sein Lachen schlägt ins Weinen um, als er im Kunstgenuss ästhetisch schwelgend im selben Atemzug blutige Folterszenen beschreibt. Es herrscht eine ambivalente Zerrissenheit im Raum: zwischen dem Bedürfnis nach exquisiter Lebensführung und gleichzeitigem Bewusstsein über die wahre Realität, die einen immer wieder einholt.

Voller Hohn zitiert er die Devise der Wohlstandbürger, wonach ihre Kinder „nur das beste haben sollen“. Seine Beschreibung eines aufwändig eingepackten Geschenkes mit viel Schnick-Schnack dient als Metapher für das Erziehen von Kindern in einer wohlbehüteten Umgebung, abgeschottet und konditioniert gegen geschürte Feindbilder, aber verwahrlost in ihrer Menschlichkeit. Das auf allen Ebenen sozial- und gesellschaftskritische Stück lässt auch eine Portion Marxismus nicht vermissen. Hier manifestiert sich dann doch noch die politische Gesinnung Gabriele Gysis als Tochter des ehemaligen DDR-Kulturministers Klaus Gysi. So artikuliert sich in „das Fieber“ der Mangel an Humanität durch Fetischisierung der Ware, wonach die Herrschaft der Dinge über den menschlichen Beziehungen steht. Unter einer dinglichen Hülle versteckt ist nicht nur der Wohlstandbürger, sondern auch der Wert der Ware, der abgekoppelt von menschlichem Produktionsaufwand als naturgegeben angenommen wird. Wahnhaft kreist das Stück um die Begriffe der Humanität und der Werte und hinterfragt das fraglos bestehende System einer kapitalistischen Gesellschaft.

Fest steht, dass der Titel „das Fieber“ nur das Symptom einer ernüchternden Erkenntnis sozialer Ungerechtigkeit ist. Eigentlich handelt es sich hier um Weltschmerz und um das Erkranken an der Doppelmoral des Bürgertums. Die Feststellung schmerzt, dass die Polarisierung zwischen Armut und Reichtum vermeintlich den zwei Seiten ein und der selben Medaille entspricht, wonach das Leben der einen, das Leid der anderen bedingt. Wer hat die Macht, um über das Schicksal der Menschen zu bestimmen?
Die Frage beantwortet der Schauspieler mit der resignierenden Feststellung, dass „die, die mehr haben mehr bestimmen und die, die wenig haben, wenig zu bestimmen haben!“ Gegen diese Devise, die eine soziale Ungerechtigkeit beschwört, ist die fieberhafte Anklage gerichtet. Trotz 100-minütiger intelligenter Lamentation über das Leid der Welt, bleibt ein Beispiel zweckdienlichen Handelns aus. Es drängt sich der Eindruck auf, dass der Auftritt Knud Fehlauers auf überspitzte Weise die Bekundung des Leids eines jeden Einzelnen widerspiegelt, dessen Beteuerungen niemandem hilft außer sich selbst zu besänftigen. So bleibt auch fraglich, ob auch nicht die Betroffenheit des Zuschauers nur der eigenen Beruhigung dient oder doch etwas in Gang setzt? Gemessen am Beifall der Zuschauer hat „das Fieber“ seine Wirkung geleistet. Doch es bleibt fraglich, welches Handeln die Betroffenheit tatsächlich bewirken kann. In seiner Inszenierung jedoch ist es ein unbehagliches Stück Wahrheit, das den Nerv der Zeit und den des Zuschauers trifft, der um eine Stellungnahme nicht herum kommt.
Beeindruckt hat das Stück vor allem durch die schauspielerische Intensität und die schonungslose Bombardierung der Zuschauer, die unprätentiös im Raum als Statisten eingebunden werden. Bemerkenswert ist auch, dass Kammerspiele Landshut solche Stücke mit Regisseurinnen wie Gabriele Gysi für sich gewinnen kann.

Erschöpft, aber mit sich zufrieden können die Zuschauer nun nach Hause gehen und zumindest von sich behaupten, dass sie sich nicht vor der Thematik gedrückt haben…und so bleibt die Frage: Inwiefern kann ein gesellschaftskritisches Theaterstück etwas verändern? Das sollte sich jeder selber fragen…

Weitere Termine sowie Informationen können auf unserer Veranstaltungsseite oder der Homepage des Theaters gefunden werden.

http://www.kleinestheater-kammerspiele-landshut.de/spielzeit-20142015/premieren/kalender/das-fieber.html

Berit wacht aus dem Koma auf und versteht die Welt nicht mehr. Ihr autobiografisches Gedächtnis ist gelöscht und Mutter, Ehemann und Freunde sind ihr fremd. Aber viel schlimmer noch: Niemand versteht Berit, wenn sie spricht!

Dabei drückt sich Berit ihres Ermessens klar und deutlich aus. Sie weiß nicht, dass sie plötzlich einen Dialekt spricht, ein sogenanntes „Idiom“. Leider hat sich die Sprache inzwischen zu einer allgemeinen Reinsprache entwickelt in der niemand mehr einen Dialekt spricht oder versteht. Berit wird von ihrem Umfeld belächelt, ihre Mutter und ihr Ehemann wenden sich von ihr ab und TV-Sender reichen sie als Sensation herum. Nach langwierigen, erfolglosen logopädischen Therapiesitzungen weiß Berit, dass sie in dem Krankenhaus keine Hilfe bekommen wird und beschließt abzuhauen.

Pia Kolb hat dieses Stück selbst geschrieben und führt den Zuschauer auf eine überraschend charmante, humorvolle Weise durch die vermeindlich tragische Geschichte von Berit. Dabei wechselt die junge Schauspielerin zwischen der Erzählerin Berit und den verschiedenen Rollen des Ehemannes, der Mutter und Ärzte hin und her. Die Etablierung der verschiedenen Charaktere ist Anfangs schwer nachzuvollziehen, so könnte der erste Auftritt des Ehemanns ebenso der Auftritt der Mutter sein, aber man gewöhnt sich schnell an die einzelnen Figuren. Hilfreich sind Erkennungmerkmale an den Figuren, die durch Körperhaltung, Variation der Stimmlage und einzelner Assecoirs, wie einer Brille oder einer Krüke, gegeben werden.

Das Bühnenbild zeigt ein Krankenzimmer. Es besteht aus weißen Möbeln auf schwarzem Hintergrund. Rechts und Links wird der Raum von zwei weißen Stellwänden flankiert. In der Mitte befinden sich ein Tisch, ein Tageslichtprojektor und eine Leinwand. Auf der rechten Seite steht ein Krankenbett.

Unterstützt wird das Bühnenbild von akustischen Einspielungen wie Geräuschen oder Musik und Lichtwechseln. So verwandelt sich das Krankenzimmer z.B. durch Einspielen von Stimmengewirr und Durchsagen in eine Bahnhofsvorhalle. Es gelingt Pia Kolb verschiedene Orte zu Behaupten und durch Berits emotionale Verfassung eine glaubhafte Atmosphäre zu Schaffen.

Eine unterhalsame Unterstützung bietet der Tageslichtprojektor auf dem die Schauspielerin Bilder malt und auf die Leinwand projeziert. Es ermöglicht dem Zuschauer Berits Wünsche bildlich besser nach zu voll ziehen oder einfach über Missverständnisse wärend der Therapiestunde zu Schmunzeln.

Berits „Idiom“ entpuppt sich für den Zuschauer als bayrischer Dialekt und greift kleine, alltägliche Missvertändnisse auf, die dem Zuschauer nicht fremd sind. Somit fällt es dem Zuschauer leicht mit Berit mitzufühlen und ihrer Geschichte zu Folgen.

Herrausragend für dieses Stück ist Berits Auffassung ihres Zustandes. Anstatt in einer Depression zu Versinken nimmt sie ihren Gedächtnisverlust und ihren Dialekt als Neuanfang wahr. Dadurch vermittelt sie eine optimitische Atmosphäre, die den Zuschauer mit positiven Gedanken zurück in die Realität entlässt.

Gespielt wird noch im theater…UND SO FORT am 16. und 17. Januar 2015 jeweils um 20:00 Uhr.