Eine mutige, engagierte Adaption eines für die Bühne eher sperrigen Textes. Im Mittelpunkt: Frauen im politischen Widerstand – ein wichtiges Thema, das in der patriarchal orientierten Geschichtsschreibung nur sehr punktuell Beachtung findet. Die Bühnenfassung baut einen Teil der Prosaverse theatergerecht um in Dialoge, ohne dabei die Schönheit, Kraft, Präzision und feine Ironie von Webers Sprache zu beschädigen. Die Wucht des Erzählstroms Webers überträgt sich auf die Bühne dank eines spielwütigen, sich dem aufregenden Stoff bedingungslos hingebenden Darsteller:innen-Quartetts, das so gut wie ohne Requisiten und auf fast leerer Bühne spielt. (Verena Großkreutz)

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Die interaktive Installation hat Schauspiel und Museum verschmolzen und die Grenze zwischen Publikum und Aufführung fast vollständig verwischt. Man stand und bewegte sich nicht nur mitten in der Szenerie, sondern war als Teilnehmer:in unverzichtbarer Bestandteil der einzelnen Geschichten urbaner Schicksale – und zugleich Beobachter:in all der anderen Besuchergruppen, die sie gleichzeitig, aber verschränkt und überkreuzt erlebten. (Steffen Becker)

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Matthew Lopez' "Das Vermächtnis“ ist eine Art (Wahl-)Familiendrama, das beginnt wie eine Sitcom rund um einen New Yorker Freundeskreis, sich dann weitet in die 1980er Jahre hinein und im Memento für die AIDS-Toten plötzlich antike Wucht entfaltet. Ein Stück queerer Geschichtsschreibung auch, das wie alle guten Stücke danach fragt, was es bedeutet, Mensch zu sein – sieben Stunden lang. Philip Stölzl hat das in München im magischen Bühnenrealismus erzählt mit Schauspieler:innen, die sich aus einem kollektiven Erzählstrom heraus in die Figuren verwandeln (und zwar zum Niederknien gut). Nicht jedes Detail gelingt, sehr wohl aber der große Bogen, so dass man völlig aufgeht in diesem hypnotischen Malstrom aus Begehren und Macht, Geld und Sex, Identität und Theatermetaphern. Ein Abend, der lange nachhallt. (Georg Kasch)

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Eine wütende und gleichzeitig lustvolle Abrechnung mit dem germanisch-deutschen Mythos; von Armin Petras in aller Bayreuthwilligkeit dekonstruiert. Ein rechter Kessel Buntes und Nachdenkliches, vom spielfreudigen Ensemble in drei atemlosen Stunden angerührt! (Wolfgang Reitzammer)

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Die diesjährigen Passionsspiele Oberammergau haben nicht nur das Publikum, sondern auch ästhetisch wie konzeptionell überzeugt. Die Spiele haben sich ihrer großen Tradition gestellt, entschieden mit deren Antisemitismus gebrochen und gleichzeitig die Bühnensprache früherer Inszenierungen beeindruckend aktualisiert. (Kai Bremer)

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Wie lässt sich, während wenige Flugstunden entfernt ein Krieg stattfindet, ein Vorgang behaupten, der reines Spiel ist? Der Theaterspiel ist, Leichtigkeit, Witz, Irrsinn, Derbheit, Dramatik, Tragik und Utopie? Alexander Kluge, dessen prägendste Kindheitserinnerung die Bombenabwürfe über Halberstadt sind, ist immer ein Künstler der Gleichzeitigkeit gewesen, der Parallelität und der Montage. Sein Film "Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos" beginnt mit einer Sequenz vom "Tag der deutschen Kunst 1939", um sogleich in die Welt der Artistik einzutauchen. Jan-Christoph Gockel hat mit seiner Theatercollage "Wer immer hofft, stirbt singend" dazu eine frei assoziierende Bühnenversion geschaffen. Eine Zirkuskuppel hebt und senkt sich, Requisiten werden vorgeführt, das Publikum klatscht, jubelt oder buht, je nach hochgehaltenem Plakat. Das Theater zeigt seine Mittel. Auf dem "hohen Seil, den Trapezakten der fine arts“ (Kluge) lässt sich die Paradoxie des Spiels nicht lösen: Anders als der abgestürzte Hochseilartist stehen die Spielenden am Ende des Dramas wieder quicklebendig da. Die Freiheit der Fiktion, die stets gefährdet ist. "Ratlos sein = Weiterfragen“ bekennt dieser Abend. Ein tiefer Blick in das Herz des Theaters. (Dorte Lena Eilers)

"Genie ist die Kraft, sich unendlich Mühe zu geben", aber: "Sich Mühe geben allein nützt gar nichts". Zwischen diesen beiden Sätzen aus Alexander Kluges filmischem Frühwerk "Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos" steckt das ganze verfluchte Dilemma der Kunst wie des Lebens. Doch zum Glück liefert er, der letztes Jahr mit wunderbarer Leichtigkeit 90 Jahre alt geworden ist, den Trost gleich hinterher: "Ratlos ist kein negatives Attribut. Ratlosigkeit ist ein Zustand, der Suchbegriffe in Gang setzt. Besser ratlos als tatenlos." Und so ist dieser Zirkus auf dem Theater - Schwesterkunst oder Konstrastprogramm? –, den Jan-Christoph Gockel mit seinem tollkühn entschlossenen Ensemble zwischen Repräsentation und Risiko aufführt, in erster Linie so etwas wie ein Überlebensmodus, der aus der Fülle der Gefahren immer wieder neue Widerstandskraft schöpft. (Silvia Stammen)

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Was kommt so leicht daher im Gewand von Revue und Stummfilm? Sebstian Hartmann und PC Nackt? Nein, fürwahr nicht. Auch wenn zu melodiösen Elektroklängen frech gesungen wird, die Showtreppe auf der Drehbühne endlos ist und in den Videosequenzen die schwarz umrandeten Augen aus blassen Gesichtern leuchten, haben Hartmann und sein Komponist ihrer Anverwandlung von Max Stirners "Der Einzige und sein Eigentum" weder die Gedankenschwere genommen noch haben sie das Böse ausgespart. Stirner, der Vormärz-Philosoph, spricht sich in seinem Hauptwerk von 1844 für radikalen Egoismus aus, bis hin zum Mord, wenn er dem uneingeschränkt herrschenden Ich denn nützt. Denn Ich ist doch eine Insel! Jegliche Einmischung gilt als aggressiver Akt. Mit Lust und Hintersinn zelebrieren Hartmann und die Spieler:innen Stirners Egoshow. Doch dann schwirrt eine Biene durch die 3D-Animation, die man hier ganz old school durch eine Pappbrille mit zwei farbigen Folien betrachten darf. Ein Tier, das sich dem Staat ganz unterordnet, das aufgeht in seinen Gesellschaftspflichten. Ein Einzelexemplar, das stets als ein Wir zu lesen ist. Zu Max Stirner passt das nicht, schon klar. Man möchte ihn in einer Fortsetzung des Theaterabends, dann mit einer richtigen Game Engine als Theatertool, mit der Fliegenklatsche nach dem aufsässigen, anti-egoistischen Insekt jagen sehen. Und freut sich, dass sich der Abend in Zeiten der Egoshooter-Mentalität über Stirner hinaus zu einem Ich im Kontext bekennt. (Elena Philipp)

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Kurz nach dem Angriffskrieg auf die Ukraine und mitten in der Klima- und Pandemiekrise legen René Pollesch und Fabian Hinrichs einen Abend darüber hin, warum es sich trotz allem lohnt, auf diesem Planeten zu bleiben. Ein Ereignis das zeigt, warum Theater erfunden wurde. (Eva Marburg)

Im Bermuda-Dreieck zwischen Corona-Krise, Krieg in der Ukraine und Klimakatastrophe haben René Pollesch und Fabian Hinrichs einen Abend geschaffen, der die kalte Rückseite der politisch ausgerufenen "Zeitenwende" begutachtet. Hinrichs streift als Solist wie ein Rufer in Geröllwüsten durchs nackte Rund der Volksbühne und hämmert unser aller Verzweiflung an ihre Wände. Später landet noch eine Rakete auf der denkwürdigen Bühne von Katrin Brack und es gibt Hoffnungsschimmer: mit elektrisierendem, jugendlichem Breakdance der Flying Steps Academy und Chören der Afrikan Voices und Bulgarian Voices Berlin. Selten traf ein hochfahrendes Wort so sehr zu wie auf diese Theaterarbeit: epochal. (Christian Rakow)

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Eine derart episch sich ausbreitende Inszenierung hat die Berliner Volksbühne seit ein paar Jahren nicht mehr gesehen, aber nun endlich weckt Florentina Holzinger wieder den Geist des legendären Hauses, mit ihrem wahrlich, vielfach talentierten Frauen-Ensemble. Hier steppt der Bär, hier schrappt der Hubschrauber, hier wird ein Feuerzeug geboren. Und große Theater-Kunst. (Sophie Diesselhorst)

"Ophelia's Got Talent" von Florentina Holzinger ist feministisches Brachialtheater im besten Sinne: Bewegungsintelligent, verweisstark, verwegen. Theater, das seine eigenen Mittel klug ausstellt und reflektiert. Ein auf gute Weise schmerzhafter Trip. (Stephanie Drees)

"Ophelia's Got Talent" got it all: ausgehend von einer kulturgeschichtlichen Reflexion über Weiblichkeitszuschreibungen der Vergangenheit bis in die Zeiten der Klimakatastrophe werden spekulative Narrationsstränge zu einer atemberaubenden Show mit spektakulären Stunts verwoben. Eine Zumutung, die Mut macht. Eine Anmaßung, die neue Maßstäbe setzt für das Theater und ein besseres Morgen möglich erscheinen lässt. (Iven Fenker)

Die wildeste, spektakulärste Show des Jahres! Eine Bande nackter Piratinnen entert die Traumschiffe auf den Meeren des Patriarchats. Statt als Wasserleichen oder als verlassene Seemannsfrauen zu enden, stürzen sie sich ins Abenteuer, verleiben sich die Phantasien über Wasserwesen ein, verdauen sie zu Kunst, und speien sie aus sämtlichen Körperöffnungen in Fontänen übers Wasser. Eine Orgie aus Varietekunststücken, Blut, Gewalt, intimen Geständnissen, surrealem Horror und Wasserballett. Das Publikum landet jubelnd in der Gosse, besoffen von brodelnder, dreckiger Lebendigkeit. (Gabi Hift)

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Die Gesellschaft ist kaputt, die Menschen schlecht zueinander – mitunter grausam – und selbst ihre sporadischen Zärtlichkeiten nicht selten vergiftet. Für diesen Befund braucht's kein Theater. Aber es klärt die Sicht, was Elsa-Sophie Jach und ihre erstklassige Bremer Besetzung aus "Eileen" gemacht haben: einen Krimistoff zum surrealen Gesellschaftsporträt zu zerfransen. Der psychologisch zum Schneiden dichte Thriller ist tatsächlich zutiefst verstörend, aber auch von herzerweichender Schönheit, wo man es am allerwenigsten erwartet. In der Erkenntnis nämlich, dass von den Entrechteten, Gequälten und Abgehängten nun wirklich keine bessere Menschheit zu erwarten ist – dass Anmut, Würde und Erhabenheit aber eh nicht in Führungszeugnissen stehen. (Jan-Paul Koopmann)

"Ich hatte immer Angst, dass ich auffliege." Verena Brakonier kommt vom Land, aus einer Arbeiterfamilie. Und hat sich mittels Studium an der Essener Folkwang-Schule, mittels Residenzen in Hamburg und Berlin und mittels Kooperationen mit anerkannten Künstler:innen in der freien Szene durchgekämpft. Aber funktioniert das tatsächlich? Brakonier stellt in einer beunruhigenden Performance mit Werkzeug, Nüsschen und Bourdieu die Toleranz des Kulturpublikums auf die Probe. (Falk Schreiber)

Das war Total-Theater der mitreißendsten Art, mit allen Sinnen erfahrbar, mystisch, magisch, musikalisch, in einem Raum voller Schönheit, voll Zauber und Gefahr, mit einem international durchmischten Ensemble und Theatermenschen darin, die immerzu und überwältigend intensiv von der Sehnsucht nach Erlösung erzählten, mit allen Fasern von Körper und Geist. Sowas hatte die deutsche Theaterwelt noch nie (oder lange nicht mehr) gesehen. (Michael Laages)

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Die Choreografin und Performerin Joana Tischkau und ihr Zwillingsbruder Aljoscha Tischkau erzählen die Geschichte ihres Aufwachsens als Schwarze Kinder in der Bundesrepublik der 1990er Jahre, indem sie sich in rasantem Tempo durch das Fernsehprogramm ihrer Jugend zappen und nach-spielen, wie hier Familie und Zugehörigkeit kulturell definiert und popkulturell auserzählt wurden. Wie bereits in "Playblack", Joana Tischkaus furioser Performance über die Wahrnehmung und Inszenierung Schwarzer Körper in der Popkultur, wird auch hier komplett playback gespielt und gesungen. Gemeinsam mit acht Darsteller:innen werden unter anderem "Alf", das "Familien-Duell", die Jackson 5 und die Kelly Family re-enactet und subversiv gegengelesen: ein kraftvoller, mitreißender Abend. (Esther Boldt)

In der Produktion YO BRO beschäftigt sich Choreografin und Tänzerin Joana Tischkau gemeinsam mit ihrem Bruder Aljoscha Tischkau mit rassistischen Strukturen in 'mixed race'-Familien. Für ihre autoethnografische Theaterarbeit eignen sie sich im ästhetischen Modus der queeren Parodie Szenen von Familien-Sitcoms, TV-Shows und Musikvideos aus den neunziger Jahren an (wie “Bill Cosby Show“, “Alf“, “Familienduell“, Auftritte der Kelly Family oder von Michael & Janet Jackson). Auf diese Weise offenbart sich nicht nur die epistemische Gewalt der weißen, von Diskriminierungen durchzogenen Medienlandschaft, sondern es ist auch eine intensive, zuweilen schmerzhafte, emotionale Erinnerungsreise für unsere Generation der Mitte der achtziger Jahre Geborenen, die in YO BRO eingeladen ist, neu auf die eigene Mediensozialisation und ihre identitätskonstituierenden Effekte zu blicken. (Theresa Schütz)

Formal ein geradezu überraschend klassischer Schauspielabend, aber diskursiv so auf der Höhe der Zeit, dass das Publikum hier einmal tatsächlich kaum umhin kommt, ins Gespräch zu geraten über das, was im Stück Thema ist – Identität, Shitstorm, Cancel Culture, Traumata, Klasse – und dabei gar noch höchst unterhaltsam. (Andreas Schnell)

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Mit einem Stück über Stalin etwas über seinen postsowjetischen Widergänger Putin, Mechanismen diktatorischer Herrschaft und den Krieg in der Ukraine zu erzählen, gelang mit der Uraufführung der zu Beginn des 2. Weltkriegs geschriebenen Justizfarce "Die Schritte der Nemesis". Autor Nikolai Evreinov kritisierte den Stalinismus anhand der Schauprozesse (1936 bis 1938) – in denen Lügen als Wahrheiten inszeniert wurden, um das autoritäre Unrechtssystem zu stützen. Viele aufgezeigte Details wiederholen sich derzeit mit der Propaganda Russlands. Auf der Gerichtssaalbühne kehrt das Stückpersonal mit grotesker Mimik und Gestik ihr Innerstes nach außen: Verzweiflung, Angst, rasende Wut, Ekel usw. – begleitet von der tonal sich befreienden Musikavantgarde der Zwischenkriegsjahre, live gespielt auf Schlagzeug und Klavier. Akut gegenwärtig wird die Aufführung, da sich der aus Belarus geflüchtete Schauspieler Andrey Urazov seine Empörung über die Systeme Stalin, Putin und Lukaschenko aus dem Leib tobt – und die ebenfalls engagierte Performerin Antonina Romanova per Videobotschaft erklärt, warum sie gegen Russland derzeit militärisch in der Ukraine statt mit Theaterkunst in Braunschweig kämpft. Regisseurin Yuri Birte Anderson (International Laboratory Ensemble) lässt als weitere Handlungsebene den Autoren das Geschehen aus Sicht seiner These analysieren, wir seien alle Dramatiker, Dramaturgen, Zuschauer und Spieler unseres Lebens, sollten aber nicht dem Fatalismus der Geschichte in die Hände spielen. Insgesamt ein bitter aktueller Blick auf die Theatralisierung des Politischen. (Jens Fischer)

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Zum Totlachen! Zum Heulen! Doppeldeutigkeit ist das Prinzip von "Alkestis". Johan Simons liest "Alkestis" als Komödie. Aber mit Widerhaken. Schluckt man die Komödie, wird man in etwas ganz anderes hereingezogen: heiter und illusionslos traurig. (Gerhard Preußer)

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An und für sich wäre die Schließung einer historischen Bildungslücke – der Holodomor, Massenmord durch Hunger an der ukrainischen Bevölkerung in den 1930er-Jahren – schon Grund genug, die ukrainisch-deutsche Koproduktion "Die Revolution lässt ihre Kinder verhungern" zu schätzen. Doch der Abend öffnet noch viel größere Perspektiven auf Geschichte, die Mitschuld des Westens und den heutigen Ukrainekrieg, der auf einmal wie eine düstere Doppelung erscheint. Ein wichtiger, beeindruckender Abend, der in mediale Fakten historische und poetische Tiefe bringt. (Dorothea Marcus)

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"Nur Hohlköpfe urteilen nicht nach dem Äußeren", so Oscar Wilde. In diesen Zeiten, da es (zu) viel um Politik und Moral geht, tut es ganz gut, einen Theaterabend zu feiern, der sich rigoros auf die Oberfläche kapriziert; auf einen formidablen Verwandlungs- und Gesangskünstler (Christian Friedel), einen großartigen Regisseur und Designer (Robert Wilson), Kostümbildner (Jacques Reynaud), einen Texter (Darryl Pinckney), der seine berühmte Vorlage (Wilde) zwar nicht ignoriert, aber doch lässig und souverän sich aneignet. Schließlich auf ein Publikum (Düsseldorf), das nach den Mühen der Pandemie im Theater lachen und staunen will. (Martin Krumbholz)

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Wer politisch relevantes Theater sehen will, muss in 'Mölln 92/22' am Schauspiel Köln sehen. Nach seiner Keupstraßen-Trilogie hat Nuran David Calis seine dokumentarische Methode auf die Nachwirkungen des rechtsradikalen Brandanschlag auf das Haus der Familie Arslan in Mölln angewandt, dabei mit einer starken Recherche Unglaubliches zu Tage gefördert und zu einem klugen Theaterabend verdichtet. Inszenierungen wie diese können - sollten! – wirklich gesellschaftliche Wirkung entfalten: unsere Gedenkkultur in Frage stellen, die Perspektive auf die Opfer rassistischer Gewalt richten und fragen, was sie eigentlich brauchen, wie sie sich erinnern wollen. (Max Florian Kühlem)

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Der Frieden hat der Kriegerin Richard, lässig und gnadenlos gespielt von Yvon Jansen, ihren Job und Lebenssinn genommen. Plötzlich nurmehr Frau zu sein, sprich Deko, das liegt ihr nicht. Also wird sie in der Shakespeare-Überschreibung von Katja Brunner zur Superschurkin und mordet sich an die Staatsspitze. Die Kölner Uraufführung in der Regie von Pınar Karabulut ist mitreißendes Gegenwartstheater im Disney-Schloss. Sie bringt den Schmerz und das hysterische Lachen über den Zustand der Menschheit souverän zusammen. (Cornelia Fiedler)

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Die Uraufführung des Stückes "Welt überfüllt" (1929) von Anna Gmeyner in der Regie von Thomas Ladwig ist nicht nur ein später Triumph über die Nationalsozialisten, die eine erfolgreiche jüdisch-deutsche Theater- und Drehbuchautorin um ihre Karriere brachten. Sie ist ein Glücksfall, denn dieses Stück über das Schicksal kleiner Leute zur Zeit der Weltwirtschaftskrise berührt uns; wir teilen ihre existenziellen Sorgen und Zukunftsängste und erliegen dem Reiz von Gmeyners ganz spezieller, ironischer, durch und durch humanistischer Erzählweise. Ladwigs Inszenierung mit einem inspirierten Ensemble auf einer wunderbar gestalteten Treppenbühne bringt dieses wiederentdeckte Theaterjuwel zum Glänzen. (Karin Yeşilada)

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Man sollte es kaum glauben, aber es ist noch da: Theater fast wie in alten Zeiten! Das Haus voll (mit den 400 erlaubten Gästen), Bombenstimmung auf und vor der Bühne, permanent Szenenapplaus und zum Schluss ausgelassener Jubel. Regisseur Ulf Dietrich hat die 1960er-Jahre-Revue zusammen mit Intendant Manfred Langner verfasst. Schamlos haben die beiden Klischee an Klischee genäht und die Stereotypen zum dramaturgischen System erhoben. Als "Unterhaltungsstück mit Musik in Schwarz-Weiß" funktioniert das prächtig, wobei dem "Schwarz-Weiß" eine Doppeldeutigkeit innewohnt, die aus Gründen des Überraschungseffekts nicht verraten werden soll. Schwarz-weiß sind auf jeden Fall auch die Charaktere: entweder total spießig oder revolutionär, verklemmt oder zügellos, Mann oder Frau. "Genderfluid" – so'n Tüddelkram kam in den Sechzigern jedenfalls nicht in die Tüte (von denen im Verlauf des Abends immerhin einige gequalmt werden). (Rainer Nolden)

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Dass Frank Castorf zu den Klügsten und Originellsten gehört, wenn es darum geht, historische Stoffe für einen erkenntnisstiftenden heutigen Bühnengebrauch aufzuschließen, ist zwar keine wirkliche Überraschung – aber etwas, was man bei diesem Klassiker über den Dreißigjährigen Krieg mal wieder besonders scharf sehen kann. Was den "Wallenstein" dann endgültig zu einem Ereignis macht, ist die Art, wie sich das Dresdner Ensemble den Castorf-Style zueignet, wie hier im Aufeinandertreffen einer bewährten Methode und neuer Spielerinnen und Spieler eben tatsächlich etwas Neues entsteht. Ein Castorf-Abend at its very best, selbst wenn der zweite Teil bei der Premiere augenscheinlich noch nicht fertig war. (Christine Wahl)

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Hamlets berühmte Frage nach Sein oder Nichtsein als geschichtsfatalistischer Code, mit dem Philipp Preuß das Drama in einen mörderischen Loop der Vergeblichkeit jagt. Immer wird der Monolog wiederholt, in unterschiedlichen Fassungen und Übersetzungen durch die Jahrhunderte. Hoffnung oder so etwas wie Progression zum Guten: Fehlanzeige. An einer endlos langen Tafel sitzen Tote und Lebende und verhandeln die letztlich tödliche Frage: Macht oder Ohnmacht? Sein oder Nichtsein eben. Oder werden von dieser Frage verhandelt. Ein kluger wie bildmächtiger Abend, der auf das dunkle Herz der Gegenwart zielt. (Esther Slevogt)

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Eine seltene Uraufführungssternstunde: "Adern" von Lisa Wentz, ein eleganter, spröder Text über Familie, Kriegstraumata, Armut, Natur(-ausbeutung), ist ganz bei sich, vertraut der Stille im Zweifelsfall mehr als eitlem Modegeschwätz. Und die Inszenierung von David Bösch lässt Markus Hering und Sarah Viktoria Frick als Hauptfiguren zu Höchstleistungen auflaufen. (Andrea Heinz)

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In George Orwells "Animal Farm" werden Tiere im Kampf gegen Menschen selbst zu Menschen. In "Faarm Animaal" (schon die mysteriöse a-Vermehrung bietet die erste Denksportaufgabe) wollen Menschen zu Tieren werden. Selbstkritik und Impro-Spiele bieten den Weg dazu. Die Geschichte, die Tomas Schweigen in seiner letzten Spielzeit am Wiener Schauspielhaus auf Basis von Recherchen zum faszinierend komplex(behaftet)en Verhältnis Mensch–Tier entwickelt hat, ist irre seltsam. Dass gar nicht versucht wird, verständlich zu machen, was zum Geier, zum Kuckuck oder zur Robbe da abgeht, eröffnet Spielräume fürs Ensemble und Denkräume fürs Publikum. Film und Bühne interagieren toll, der Abend wirkt lange nach. Und tierisch witzig ist er auch. (Martin Thomas Pesl)

Vier lange Stunden, drei verschiedene Versuche und offene Enden überall - die performative Installation HEIMWEH lädt ganz bestimmt nicht zur Illusion ein, ihr Thema wäre eines, mit dem irgendwie "fertig" geworden werden könnte. Die psychische und physische Gewalt gegen Schutzbefohlene wird mit Bagatellisierung, Bürokratisierung oder Ästhetisierung fortgeschrieben. Im Begehen der Installation schreibe ich mit und bekomme unter die Haut geschrieben: Die Gewalt muss enden. (Theresa Luise Gindlstrasser)

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Ein Theaterleben ohne Ursina Lardi, Sebastian Blomberg, André Jung und Devid Striesow ist möglich, aber sinnlos, um ein Wort von "Herrchen" Loriot abzuwandeln und anzuwenden auf Thorsten Lensings "Verrückt nach Trost". Szenen & Episoden von Kindheit bis Alter, Frau und Mann, Mann und Mann, Tier und Mensch als Lebenselixier für uns Zuschauende. Evolutionäres Theater, das die Spielregel setzt und erweitert, den paradiesischen Zustand herbeiführt und den Erlösungsmoment kennt. (Andreas Wilink)

The fab four Sebastian Blomberg, André Jung, Ursinsa Lardi und Devid Striesow triumphieren als Menschen, Tiere, Dinge. Ihre sagenhafte Schauspielkunst paaren sie mit Gedanken rund um Leben und Tod. Das Theater wird dabei zum Möglichkeitsraum und zum Ort der Gemeinschaft. Ein Abend zum Totlachen und zum Losheulen im selben Moment. Extrem Trostreich. (Shirin Sojitrawalla)

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Nobelpreisträger Peter Handke vollzieht tastend nach, wie die Vergangenheit – in Gestalt von Erzählungen, Bildern, Lügen und Wunden – von einer Generation in den Besitz der nächsten übergeht. Die beinahe 50 Jahre jüngere Regisseurin Rieke Süßkow nähert sich seinem flirrenden Text ebenso entschlossen wie feinsinnig. Bühnenbildnerin Mirjam Stängl erweist sich als großes Talent. (Michael Wolf)

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Von Null auf 100 war diese Produktion Stadtgespräch – und riss an jeder Aufführung das Publikum nach der über dreistündigen Performance zu standing ovations hin: Eine Jugendbande hetzt durch die Stadt, eine Kamera überträgt ihre Wutausbrüche, Sponti-Aktionen, düsteren Einsichten und ihren positiven Energieüberschuss live ins Basler Schauspielhaus auf Großleinwand. Das Ensemble und mit ihnen die Regisseure Boris Nikitin und Sebastian Nübling haben den Ton einer Jugend erwischt, die sich von Leistungsdruck, Perfektionszwang und Moral massiv bedrängt fühlt, sich vor jeder Illusion fürchtet und eigentlich glauben will. (Claude Bühler)

Sie sind 12 Sekunden voraus. So lange dauert es, bis das Signal unterm Atlantik in den amerikanischen Serverpark geleitet, wieder zurückgeschickt wird und per Internet auf der großen Leinwand im Basler Schauspielhaus landet. Kaum hat Elif Karci das klar gemacht, geht sie forschen Schrittes aus dem Theater, die Kamera hinter ihr her. Es wird drei Stunden und 35 Minuten dauern, bis sie wieder zurück ist. In dieser Zeit jagt sie mit der Gruppe junger Schauspieler:innen durch die Stadt. Immer gefolgt von der Kamera, die ihre Bilder auf die Leinwand sendet. Es ist eine Parforcetour, immer live. Es geht um Leben und Tod, Schmerz und Verlust, um die Realität, ihre Wahrnehmung und ihr Fehlen, um Erinnerungen, um die Welt als Wille und Vorstellung und Fake. Ein Bild einer Gruppe junger Leute, ein Bild einer Stadt. Wütend, laut, rotzig, frech. Beeindruckend. (Valeria Heintges)

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Having a good time. Je langsamer du gehst, desto schneller kommst du voran, sagt bei Michael Ende die Schildkröte Kassiopeia. Bei Alexander Giesche ist sie ein ausgesprochen niedlicher Roboter-Hund; ihr Credo erfüllt sich ästhetisch: Wie viel Zeit schenkt uns dieser Abend, der sich narrativen und dramaturgischen Serviceleistungen entzieht und die Ineffizienz zum widerständigen Entwurf macht. Wie schön sind die riesenhaften Dunstringe, die wie gerauchte Zeit über unsere Köpfe hinweg schweben, wie heiter der Luftzug, wenn sie uns beim Vorbeistreichen berühren! (Andreas Klaeui)

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Im Rigorosum wurde ich einst nach "Penthesilea" befragt. Ich hatte das Stück nicht gelesen. Dass das nicht auffiel, war wohl der Senilität des Prüfers zu verdanken. Auf eins freilich wäre ich nicht gekommen: Kleists Trauerspiel komisch zu nennen, als handle es sich um die mäßig komischen Ausnahmelustspiele der deutschen Dramatik "Minna von Barnhelm" oder "Der zerbrochne Krug". Von dieser Möglichkeit haben mich erst die Basler Inszenierung und ihre fabelhaften Darsteller überzeugt. So viel gelacht wurde bei diesem Stück wohl noch nie. Dass das nicht um den Preis billigen Klamauks geschieht, rechtfertigt die Nominierung der Aufführung für das nk-Theatertreffen des Jahres, an dessen Anfang sie stand, ebenso wie die gelegentlich in Vergessenheit geratene Tatsache, dass Theater immer noch in der Regel von Schauspieler:innen zum Leben erweckt wird. Wer sollte sich treffen, wenn nicht Menschen mit Hirn, Körper und Stimme? Eine Installation? Eine Stückentwicklung? Avatare? (Thomas Rothschild)

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Als Parforceritt durch Aufstieg und Fall des trollenden Wutbürgers zum Erlöserführer verkleidete existenzialistischen Medienkritik und großartiges Plädoyer für die Relevanz von Theater. Wunderbar, wie auf der Bühne die ganze ins Digitale aufgepeppte menschliche Komödie mit den einfachsten Mitteln des Tür-auf-Tür-zu-Durchs-Fenster-Boulevards ohne jedes elektronisches Blingbling zur Kenntlichkeit befreit wird. (Jürgen Reuß)

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