4. Februar 2026. Angefangen hat es vor ein paar Jahren. 2020 zum Beispiel, als die Performerinnen von She She Pop in ihrer Theaterarbeit "Hexploitation" ihre nackten Schenkel spreizten und bühnenöffentlich in ihre Schamlippen leuchteten. Nicht die explizite Nacktheit war das Thema der Performance, deren Ursprünge reichen viel weiter zurück, sondern die Menopause. Auch die Performerinnen von She She Pop waren über die Jahre in die Jahre gekommen und hatten ihr Altern, ihre Falten, ihre Menopause, ihre schrumpelnden Vaginas auf der Bühne verhandelt. 

Ich mochte den Abend, so selbstgestrickt, schonungslos schamfrei und selbstironisch, wie er war. Vielleicht mochte ich ihn auch deshalb, weil er damals scheinbar vor der Welle surfte, die anschließend auf die Theaterbühnen schwappte – und immer noch dorthin schwappt. Mit der unnötigen Wucht, um mal plump im Bild zu bleiben, einer heftigen Monatsblutung. Zumindest gefühlt. Tatsächlich stelle ich fest, bin ich mit dieser Wahrnehmung nicht allein, sondern schon late to the party: Susanne Burkhardt und Elena Philipp sahen das in ihrem Theaterpodcast "Bühnenmütter", Folge 65, vom 8. Februar 2024 sehr ähnlich.

Bitte keine Gyn-Stühle mehr 

Es ist also (nicht nur) eine vollkommen subjektive Beobachtung und vielleicht auch kein Trend. Aber seither verhandeln Theaterregisseurinnen* – in diesem Fall muss eher nicht gegendert werden – vermehrt Frauen-, Care- und Mütterthemen. Und ich, selbst Frau, Care und Mutter, verstehe es nicht, wende mich ab, langweile mich. Warum? Bin ich unsolidarisch, arrogant und auf toxische Weise vom männlichen Geniekult geprägt? Bin ich inhaltlich und ästhetisch vollkommen fehlgeleitet oder gar misogyn? Bin ich also keine Feministin und erst recht keine feministische Mutter? Ich weiß es nicht. Aber eines weiß ich ziemlich sicher: Ich will auf der Theaterbühne keine Wutreden auf die Mutterschaft mehr hören, keine vorgespannten Schwangerschaftsbäuche mehr sehen, keine Gynäkologie-Stühle und keine vollgebluteten Unterhosen.

Mich langweilen reenactete Inseminations-Szenen, Mental-Load-Suizide, mütterliche Sinnkrisen und Berichte über Leihmutterschaften. Mich langweilen Debatten über das Kinderkriegen als Lebenssinn oder -nichtsinn, über das Bereuen von Mutterschaft genauso wie über Schlafmangel, den Stimmungskiller PMS oder hart ausgehandelte Wohlfühltage. Mich langweilen Theaterabende über den fremdbestimmten Zustand zwischen Küche, Kita und Kinderliedern mindestens genauso sehr wie Partygespräche über frisch installierte Soft-Close-Einbauküchen und erfolgreich ausgebrütete, herangewachsene Kinder.

Ein paar Beispiele: Die Regisseurin Jorinde Dröse, "seit 2009 arbeitet sie zudem als Mutter" schreibt sie in ihrem Lebenslauf, entwickelte am Berliner Ensemble, angeregt von der Schauspielerin Claude de Demo und mit ihr zusammen, das Stück "#motherfuckinghood": "Erfahrungen des Mutterseins decken sich selten mit dem, was Kultur und Sprache darüber vermitteln. Diese ideale, selbstlos sorgende, unendlich geduldige und noch dazu glückliche Mutter, es gibt sie natürlich nicht", so lautete der Ankündigungstext auf der Website des Berliner Ensembles, wo das Stück im Februar 2024 Premiere feierte. Das ist doch nichts Neues, oder? Die Zeit, in der Mütter an die sonnigen Bilder aus der Rama-Werbung glaubten, ist, dachte ich zumindest, schon lange vorbei.

Ist das wirklich bühnentauglich?

"Haben Sie sich in einer gynäkologischen Praxis auch schon einmal gefragt, wohin eigentlich mit der Unterhose?" So kündigte das Staatstheater Hannover die deutschsprachige Erstaufführung von Saara Turunens "Tage der Hyäne" (November 2025) an. Die Themen des Abends – Kinderwunsch, Hormonbehandlung, Schwangerschaft, Geburt – waren schneller erschöpft als die performte künstliche Befruchtung auf dem gynäkologischen Stuhl gelang. Schnell wurde klar, dass die Hauptfigur ziemlich verloren ist mit ihrem Fortpflanzungsglück. Dass sie kaum mehr zum Schreiben kommt und damit gar nicht zum Autorinnen-Dasein, und dass sie sich das Muttersein doch ganz schön und ganz anders vorgestellt hat. Ernsthaft?

Ursprung der Welt: Florentina Holzingers feministischer Bühnenhit "A Year Without Summer" mit der an ein Courbet-Gemälde erinnernden Skulptur © Nicole Marianna Wytyczak

Es stimmt, im gesellschaftlichen Diskurs, in der öffentlichen Wahrnehmung, kam die Care-Arbeit viel zu lange kaum bis gar nicht vor. Das "Hinter jedem erfolgreichen Mann steht eine starke Frau"-Prinzip war so selbstverständlich wie selbstlos, und so blieb auch jegliche Form dieser Arbeit, also auch die Arbeit als Mutter, stets unsichtbar. Aber ist das Frauen-Care-Mütter-Thema deshalb bühnentauglich? Sozusagen mit dem Argument des Nachholbedarfs? Und verstärkt dessen Theatralisierung – und die Tatsache, dass ausschließlich Regisseurinnen sich dieses Themas annehmen – nicht vielmehr ein uraltes Rollenbild? Und führt, verkürzt gesagt, zu folgendem Schluss: Mit das Dringlichste, das Frauen* auf der Bühne zu erzählen haben, definiert sich über ihre Mutterschaft? Sei es ihre Sehnsucht danach, ihr Verweigern, ihr Bereuen oder das endgültige Ausschließen derselben durch die Menopause?

Warum die Quote wichtig bleibt

Das Jahr 1985 war für den Feminismus ein ertragreiches: Da fand in Nairobi die 3. Weltfrauenkonferenz statt, gründeten sich die feministisch-aktivistischen Guerilla Girls, wurde in den USA ein entscheidendes Urteil zur strafrechtlichen Verfolgung von Vergewaltigung in der Ehe wirksam, indem das New York Court of Appeals die Ausnahme für Ehemänner aufhob. Und Alison Bechdel veröffentlichte ihren Comic "Dykes to Watch Out For". Und mit ihm den Bechdel-Wallace-Test. Dieser nie als ernsthafter feministischer Maßstab gedachte Test etablierte sich bald als Sexismus-Schnelltest und sensibilisierte Generationen von Filmkritiker*innen für die Stereotypisierung weiblicher* Figuren in Spielfilmen. Und zwar mit drei simplen Fragen: 1) Gibt es (in dem Film) mindestens zwei Frauenrollen? 2) Sprechen diese Frauen miteinander? 3) Unterhalten sie sich über etwas anderes als einen Mann? Eine Übertragung, ein Gedankenspiel gut 40 Jahre später. Theater statt Film: 1) Gibt es (in der Theaterinszenierung) mindestens zwei Frauen*rollen? 2) Sprechen diese Frauen* miteinander? 3) Unterhalten sie sich über etwas anderes als über ihre Mutterrolle?

Nur langsam bewegt sich die Prozentzahl regieführender Frauen* auf allen deutschsprachigen Sprechtheater-Bühnen zusammengenommen kontinuierlich nach oben: Die Werkstatistik des Deutschen Bühnenvereins weist für die Spielzeit 2018/19 rund 28,1 Prozent, für 2021/22 immerhin 34,6 Prozent aus (eine geschönt wirkende Zahl, die sich auch aus der Einbeziehung von Kinder- und Jugendtheatern ergibt). Oft werden Regisseurinnen* noch gut versteckt auf den Provinz- oder Studiobühnen, in kleineren Städten und auf den Nebenspielstätten größerer Häuser. Auch deshalb befürworte ich die Frauenquote beim Theatertreffen. Und gerade in Zeiten, in denen manch regieführender Mann seine Gehaltsverhandlungen mit dem Argument unterfüttert, er habe eine große Kinderschar zu versorgen, sind regieführende (Mütter)-Frauen* wichtiger denn je.

Brennendere Themen als eine lauwarme Wärmflasche

Beruf und Familie in diesem, gelinde gesagt, familienunfreundlichen Business unter einen Hut zu bekommen, ist ein Kraftakt (als Kritikerin ist es das übrigens auch). Aber wenn dieser Kraftakt schon vollzogen wird, warum wird dann (gefühlt) so oft die "weiche" Kurve genommen? Warum findet ein Abbiegen in die eigenen Eingeweide statt? In die Geschichten auf Untersuchungsstühlen, in Wut-, Verzweiflungs- oder Reuegefühle und damit generell ins Mutterschaft-Thema? Ich verstehe es nicht.

Es ist egoistisch, überheblich und privilegiert, ich weiß, aber ich schreibe es trotzdem: Von Theaterregisseurinnen*, und gerade von ihnen, wünsche ich mir Abende, die Lichtjahre entfernt sind von blutigen Unterhosen, gynäkologischen Stühlen, Hormonspritzen und Eisenkrauttee. Ich wünsche mir, sorry, ein Zitat von einem Mann, Ad Reinhardts "Kunst ist Kunst als Kunst, und alles andere ist alles andere" auf die Bühnen. Und damit Abende, die um ein Vielfaches größer sind als ein Uterus, mit Themen, die brennender sind als eine lauwarm gefüllte Wärmflasche. Ich wünsche mir Theaterabende über Menschen und Monster, über große Gefühle, über Liebe und Macht, Hass und Betrug, Elend und Schmerz, Frieden und Krieg, Leben und Tod. Mit Wut, Schweiß und Tränen und, wenn's sein muss, auch mit Happy End.

Katrin Ullmann, geboren 1971 in Heidelberg. Studierte Germanistik und Kunstgeschichte in Hamburg. Seit 1998 freie Journalistin und Kritikerin unter anderem für Theater heute, Tagesspiegel, taz, tanz, Deutschlandfunk Kultur und Die Zeit. 2011–2015 sowie 2021–2024 Jurymitglied der Behörde für Kultur und Medien Hamburg, 2018–2023 Jurymitglied des NPN (Förderbereich Tanz) und für die Ausgaben 2022 bis 2025 in der Jury des Berliner Theatertreffens. Co-Herausgeberin – gemeinsam mit Sabine Leucht und Petra Paterno – der Publikation "Status Quote – Theater im Umbruch: Regisseurinnen im Gespräch", erschienen 2023 im Henschel Verlag Leipzig.