30. Mai 2023. Philipp Stölzls Münchner Inszenierung "Das Vermächtnis" motiviert allerlei Vergleiche mit Netflix, wegen des psychologischen Spiels, wegen der seriellen Struktur und nicht zuletzt wegen der Länge. Das sei Theater zum Wegbingen, heißt es immer wieder. Ein Aspekt an Streaming-Diensten und deren marathonesker Nutzung ist dabei untergegangen. Selbst bei der spannendsten Serie steht es den Zuschauern frei, kurz das Badezimmer aufzusuchen, den Inhalt des Kühlschranks zu prüfen, mit dem Lebens- oder Sofapartner das Gesehene einzuordnen oder, wie es das Konzept "Netflix and Chill" sogar explizit vorsieht, engagierte Zärtlichkeiten auszutauschen. 

Soziale Bühnenkunst?

Nicht alle, doch immerhin die meisten der genannten Bedürfnisse hatte Stölzl bei seiner Inszenierung auf dem Schirm. Seine Aufführung ist sieben Stunden lang, doch dabei von so vielen Pausen unterbrochen, dass auch körperliche und zwischenmenschliche Wünsche nicht zu kurz kommen. Auch deshalb ist diese Produktion bemerkenswert, denn mein Eindruck ist, dass die Pause derzeit nur gering geschätzt wird. 

Selbst bei Inszenierungen mit einer Dauer von drei Stunden kann man nicht sicher von einer Unterbrechung ausgehen. Das ist erstaunlich, da Intendanten und Bühnenvereinsfunktionäre ständig von der sozialen Qualität der Bühnenkunst schwärmen. Theater seien Orte, an dem die Stadtgesellschaft zusammenkomme, Räume der Diskussion und des Austauschs über Milieus hinweg. Man fragt sich nur, wann all das stattfinden soll. Vor der Aufführung mag noch Zeit sein, doch danach muss ein nicht geringer Teil dieser Stadtgesellschaft zügig nach Hause, weil der Babysitter quengelt, der nächste Arbeitstag bedrohlich naht oder schlicht die Energie fehlt.

Entlastet das Sitzfleisch!

Hinzukommt, dass Theater auch die Gesetze der Aufmerksamkeitsökonomie beachten sollten. Jüngere Zuschauer wachsen mit TikTok, Smartphones und Second Screens auf. Sie sind nicht ohne Weiteres dazu bereit, ausdauernd starr nach vorne zu gucken. Für das ältere Publikum, das den größten Anteil der Plätze besetzt, gilt das übrigens meiner Beobachtung nach genauso.

Wer schon einmal eine sehr lange Aufführung besucht hat, wird sich an den speziellen Applaus an deren Ende erinnern. Stolz auf das eigene Sitzfleisch und Erleichterung über das Ende entladen sich in euphorischem Jubel. Muss man sein Publikum so quälen? Jedenfalls nicht unter allen Umständen. 

Selbstverständlich gibt es Arbeiten, in denen Länge und auch Längen eine ästhetisch notwendige Wirkung entfalten. Andere Produktionen beweisen allerdings nur ihre dramaturgischen Mängel, wenn sie keinen Wert auf Pausen legen. Denn diese strukturieren auch eine Aufführung, sind teilweise zentrale Regie-Entscheidungen. 

Die Pause als dramaturgische Setzung

Ich weiß nicht, wie oft mir von Einar Schleefs "Salome"-Inszenierung aus dem Jahr 1997 vorgeschwärmt wurde, in der die Schauspieler zehn Minuten bewegungslos verharrten, bevor sich der eiserne Vorhang senkte. Nie habe ich erfahren, wie es in der zweiten Hälfte weiterging, diese Pause dagegen ist legendär. Mir selbst ist Romeo Castelluccis Arbeit Hyperion. Briefe eines Terroristen in bester Erinnerung, in der zu Beginn eine Polizeieinheit das liebevoll gestaltete Bühnenbild komplett verwüstete und das Publikum aus dem Saal scheuchte. 

Solche Unterbrechungen dienen der Rhythmisierung, der gezielten Setzung von Atmosphären und Botschaften. Daher vorm Sommerloch mein Appell an die Regie und Dramaturgie: Wer von Ihnen die Pause als notwendiges Übel versteht, das den eigentlichen Sinn des Theaters zugunsten von Brezeln und Weißweinschorlen verzögert, möge doch in den Ferien einmal in sich gehen.

Kolumne: Als ob!

Michael Wolf

Michael Wolf hat Medienwissenschaft und Literarisches Schreiben in Potsdam, Hildesheim und Wien studiert. Er ist freier Literatur- und Theaterkritiker und gehört seit 2016 der Redaktion von nachtkritik.de an.