"Das Paradies der Ungeliebten" sollte man nicht verpassen! Eine fantastische Inszenierung. Auch ein Weg aus Hamburg, Kiel oder Lübeck lohnt sich für diese Aufführung. Verpasst es nicht!

Lieber René Rollin, es tut mir leid, dass ich Sie in meiner Leserkritik vergessen habe. Sorry!!!

Heute um 19:30 Uhr in Flensburg, morgen, also am 18.12., um 20 Uhr in Husum, und am darauffolgenden 19.12. in Heide !!
Das ist, so oder so, schon eine gehörige Anforderung, an jeweils anderen Orten wirkt das allerdings geradezu wie eine Herkulesaufgabe, zumal bei einer so Szene für Szene auf den Punkt zusammenarbeitenden Schauspielerführung, Licht- und Tonregie (der NDR-Bericht von Thomas Kahlke vom 14.12., aufrufbar !, gibt davon einen guten Eindruck, zumal er ausgesprochen wohltuend warmherzig verfaßt wurde, siehe seine Passage: "Das Stück könnte man als reines Politdrama erzählen. Doch für Joanna Lewicka ist das zu wenig. Ihr geht es um die Lesart, die man dem Stück entgegensetzt, um das, was zwischen den Zeilen zu lesen ist, "Welche Welt und vor allem welche Menschen möchte ich auf der Bühne erzählen", sagt die Regisseurin am Rande einer Probe wenige Tage vor der Premiere."). So kommt es auch, daß keine Figur des Stückes einfach nur vorgeführt wird, denunziert, karikiert, ja, daß halt das Unschlüssige eines jeden Bildes der menschliche Faktor ist und bleibt, man könnte dies auch mit "Würde" bezeichnen.
Für die Trilogie (im Grunde weiterer Premieren) TOI TOI TOI !!

Am 15.12.2024 hatte „Das Paradies der Ungeliebten“ des Wiener Autors Robert Menasse am SHL-Premiere. Dieses Auftragswerk des Burgtheaters, wurde dort nicht gespielt, weil es angeblich zu "kabarettistisch" und nicht "brisant" genug war. 2006 erfolgte die UA dann in Darmstadt.

Das Stück spielt im fiktiven Dänemark wie Shakespeares „Hamlet“ und noch immer „ist etwas faul im Staate Dänemark“. Diese „staatspolitische Fäulnis“ hat sich mittlerweile auch in Deutschland breit gemacht.
Was kann passieren, wenn der Rechtspopulismus die Demokratie unterwandert? Oder mit den Worten Menasses: „Es wird sich entscheiden müssen, welcher Typus Europäer die Zukunft bestimmt: der universale Europäer oder der eindimensionale Europäer. Das heißt: ob auf diesem Kontinent in Zukunft Menschenrecht oder Faustrecht herrscht.“

In dieser Politsatire haben Politiker keine Macht, sie verwalten Ämter. Ein hilfloser Kanzler, eine besessene Vize, ein demagogischer, rechtspopulistischer Oppositionsführer, ein gescheiterter Schauspieler, der auch politisch nicht überzeugt; sie alle meistern Europa nicht. Sie lassen sich wählen aus Gier nach Macht und wälzen ihre Verantwortung auf „Sachzwänge“ ab. Ein politischer, hitzköpfiger Verleger plant ein Attentat. Doch was ist politischer Mord, wenn die Politik tot ist? Eine Farce oder eine Mär? „Obwohl sie gestorben sind, leben sie noch immer“. Diese Politsatire zeigt die Demokratiedämmerung Europas und ist 18 Jahre nach der UA hoch aktuell.

Joanna Lewicka Theaterpreisträgerin („Der Faust 2024“) für beste Schauspielregie inszeniert das Stück als bildgewaltige, surrealistische Politsatire im Zerrspiegel unserer Gegenwart. Gespielt wird in einem düsteren, kerkerähnlichen Raum in den grüne Schlingpflanzen einwuchern und kaltes, entlarvendes Neonlicht von der Decke strahlt (Bühne/Kostüme: Norbert Bellen). J. Lewicka setzt auf visuelles Theater, das stark mit Bewegung, Musik (Duncan Ó Ceallaigh) und Masken arbeitet. So erwachsen bildgewaltige Tableaus, indem sie das Tempo verlangsamt, die Poetik einzelner Situationen ins Zentrum rückt, statt auf Handlung zu fokussieren. Es entsteht eine Inszenierung der Reflexion, da im Zuschauer Bilder und Assoziationen erwachen, in dessen Zentrum der moderne Mensch steht. Die Bildersprache Lewickas verleiht dem Menasse-Text emotionale Sprengkraft und macht diese Inszenierung für den Zuschauer zur emotionalen Erfahrung. Lewicka zielt auf unser limbisches System mit Bildern, die Emotionen erwecken und somit nachhaltige Engramme bilden. In dieser Inszenierung wird mit Stirnlupe und Skalpell gearbeitet, um die Unzulänglichkeiten der menschlichen Natur bloßzulegen und die perfiden Mechanismen populistischer Demagogen freizulegen und es wird sichtbar wie schwer es wird in einer immer mehr entmenschlichten Welt seinen Platz zu finden.
Das Ensemble (Maja Grahnert, Friederike Pasch, Dennis Habermehl, Martin Maecker, René Rollin, Aaron Rafael Schridde und Tom Wild) sind die Garanten für diesen fantastischen Theaterabend. Sie haben die Herausforderung angenommen - minutiös an jeder Bewegung, Geste, Mimik und Sprachgestaltung zu arbeiten - um bildgewaltiges Theater zu erwecken, das für den Zuschauer unmittelbar erlebbar wird. Es sei nur eines dieser gewaltigen Bilder erwähnt, die Szene vom Paradies der Ungeliebten - einer Schlangenfarm. Der Clou der Inszenierung ist, dass Lewicka die Story der Gefahr rechtspopulistischer Politiker von den paradiesverheißenden Bildern in den Köpfen ihrer Follower mit Bildern erzählt.
Das Stück endet mit Shakespeare „Der Rest ist Schweigen“ und einem entzündeten Streichholz, das erlischt – Black Out! Dieses Ende drückt Ratlosigkeit und vielleicht sogar das Unvermögen aus sich in einer Welt demagogischer Populisten zu behaupten, sofern wir nicht bereit sind, die paradiesverheißenden Bilder der Populisten zu hinterfragen und zu entzaubern. Das Publikum dankte mit starkem, rhythmischem Applaus. Bravo & Merci!

Pressespiegel und Kommentar zu der in #6 von mir bereits vorangekündigten Premiere des Stückes „Bocksgesang“ von Franz Werfel in der Regie von Moritz Nikolaus Koch am 1.2.2025 in Rendsburg (siehe Leserkritik #908 von Reiner Schmedemann):

Es ist für meine Begriffe beinahe mit den Händen zu greifen, wie diese Premiereninszenierung die Kritik -und gewiß wahrlich nicht nur diese-in immensen „Erklärungsnotstand“ versetzt zu haben scheint. Wenn Reiner Schmedemann in seiner Leserkritik ausdrücklich den Text mit Interpretationsansätzen , der „Was kann das bedeuten?“ überschrieben ist und von dem Dramaturgen Lukas Rosenhagen stammt, lobt und ebenso ausdrücklich die Kompositionen und das E-Violinespiel von Carolin Pook, so ist das annähernd schon ein Indiz dafür, daß möglicherweise der interpretatorische Grundzug der Inszenierung etwas im Dunkeln geblieben sein dürfte und ein „Was kann das bedeuten ?“ sehr wohl konsequent am Platze scheint.

Nehme ich nun die beiden Kritiken von Sabine Tholund (KN vom 3.2.2025) und Sabini Christiani (shz vom 3.2.2025) zur Hand, so verstärkt sich dieser Eindruck zusehends. Sabine Tholund sah kaum mehr als eine Illustration des Mechanismus von Argwohn und Furcht allem Fremden gegenüber, das als Gefahr gesehen werde, weil es unbekannt sei, und untermalt werde das verstörende Spiel mit stimmig schrillen Kompositionen von Carolin Pook, die vom Rendsburger Premierenpublikum mit begeistertem
Sonderapplaus bedacht worden seien (was -vollkommen zurecht meineserachtens- auch stimmt); immerhin hebt sie die Stanja Maria Grahnerts als selbstbewußte Frau hervor, die am Ende die einzig Mutige sein würde, die das Vermächtnis des Wesens nach dessen Tod weiter in die Welt trage.

Ähnlich sah es auch Sabine Christiani in ihrer mit „Ein Kampf , der nur Verlierer kennt“ überschriebenen Besprechung, wobei sie den Abend insgesamt etwas lichter bespricht und von einer ambitionierten Inszenierung zu berichten weiß:“ Athmosphärisch getragen von Carolin Pooks expressiven Kompositionen, spürt die ambitionierte Inszenierung von Moritz Nikolaus Koch am Landestheater dem fatalen Mechanismus von Argwohn und Furcht vor dem Unbekannten nach.“

Auch zu Stanja heißt es ganz ähnlich wie oben:“Am Ende wird sie die Unerschrockene sein, die das Vermächtnis des Wesens nach dessen Tod weiter in die Welt trägt.“ Bleibt nur die Frage, worum es sich bei diesem Vermächtnis schließlich handeln soll ! Wozu bin ich als ZuschauerIn gehalten, und lohnt die ganze Ambition dieses nicht unaufwendigen Abends ?? Ich denke, daß ich an dieser Stelle durchaus mit einem „Ja“ antworten kann, allerdings hinzufügen muß, daß er allein schwerlich für sich selbst spricht, sondern von der Betrachterin/dem Betrachter geradezu verlangt, der Causa auf dem Grunde zu gehen, ähnlich wie es Lukas Rosenhagen tat oder auch in den Erläuterungen des Schauspielleiters Martin Apelt im besagten „Reingeschaut“-Probenbesuch“ zur Sprache kam. Verstörung, wie Sabine Tholund keineswegs unmotiviert dazu notiert, ist nicht das Übelste, was ein Theaterabend bewirken kann, wenn es gelingt ihr irgendwie produktiv zu begegnen, und wie könnte der Dialog zwischen dem Gospodar und seiner Frau (5. Akt, 2. Szene), den Reiner Schmedemann völlig nachvollziehbar als einen der Höhepunkte, geradezu den Kulminationspunkt der Inszenierung ausweist, nach der Katastrophe denn nicht verstören: Gospodar: “Erlöst ! - Kinder machen den Menschen nicht froh.“ Mutter:“Froh nur das Weib, solange es Milch in der Brust hat.“ Gospodar: “Aber Kind und Haus, sie wachsen und verbauen des Menschen Himmel.“ Mutter: "Und seine Liebe.“

Solch deftigen Sätze zum Nachwuchs habe ich wohl seit dem „Gott des Gemetzels“ nicht mehr gehört. Plötzlich scheinen all die Vater&Sohn-Motive aus den Werken verwandter Zeit (Franz Kafka:“Ich verurteile Dich zum Tod des Ertrinkens“ - Vater in „Das Urteil“) nicht fern oder Musils „Man ist nie so sehr bei sich, als wie man sich verliert“ („Die Schwärmer“, Thomas).

Womit bereits zwei Zeitgenossen Franz Werfels, eben Robert Musil und Franz Kafka , genannt wären, was ich an dieser Stelle nicht zufällig gemacht haben will, denn diese beiden gehören geradezu zu den ersten Rezipienten des „Bocksgesangs“. Franz Kafka kannte das -etappenweise, ich meine im „Prager Tageblatt“, veröffentlichte - Drama als Leser (Kafka, Tagebücher, hier 1.11.1921,
also einige Monate vor der Uraufführung), Robert Musil, seinerzeit ua. als Theaterkritiker tätig, gehörte mit seiner Uraufführungskritik zu „Bocksgesang“ vom 15.3.1922 zu den ersten, welche das Stück besprachen. Robert Musil sollte in den letzten Sätzen dieser Kritik Folgendes zu Protokoll geben:“Werfel führt seit Jahren einen energischen Kampf um vertiefte Bedeutung; er führt ihn meiner Ansicht nach zu klug, zu wenig gegen sich selbst: was nicht zu hindern braucht, daß ihm vielleicht schon diesmal der Erfolg recht geben wird.“

Nun ja, „zu wenig gegen sich selbst“, klingt angesichts der zitierten Dramenpassage, die sehr wohl auf die Interpretationsvariante, welche Lukas Rosenhagen anbietet zum „Alma Mahler“-Schuldkomplex, deutet ,zunächst überraschend, erhellt aber zugleich ein wenig, daß die Wirkung aus dem Stück heraus zu schwach ist, um seine (hier vermutete) Grundintention zu motivieren, die damit wie angepappt und aufgesetzt, logisch zu isoliert und dem Ganzen äußerlich bleibt.
Tatsächlich deutet ein Tagebucheintrag vom 21.3.1923 Franz Werfels anläßlich der tschechischen Uraufführung an, daß auch er es so bilanzierte:“Der Fehler des Stücks ist nun ganz klar. Das Tier bleibt nicht real genug.“

Mit dem (späteren) Musil gesprochen gelang also nicht die „Erfindung des inneren Menschen“, welche überhaupt erst die Entdeckung der inneren Qual des Gospodar eröffnet hätte, sondern das Stück ist quasi vorher abgebogen, noch allerlei Zeitprobleme anzuschneiden und jene Mechanismen, von denen die beiden Zeitungskritikerinnen handeln, in soetwas wie den Hafen gesicherter Bedeutung und verdienstvoll-phantasievoller Überlieferung und Zeitbildproduktion. Aber, um , so „äußerlich-historisch“ , als Drama ein gewaltiges Symbol der Zeit und nicht eine Art Opernlibretto, hätte es in sich schlüssiger, logischer, weniger sprunghaft beispielsweise sein müssen, so verstehe ich Musil, stattdessen aber läßt, ich bediene mich jetzt der Kritik von Sabine Tholund, er holzschnittartige Figuren aufmarschieren, was in Musil Satz mündet:“Im Bocksgesang“ ist vieles bedeutsam, ja manches, wie die Figur des Juden, von einer unerwarteten dramatischen Präzision, und selbstverständlich ist bei einem Dichter wie Werfel das schöne Melos auch in der Prosa. Was daneben steht, das Zweite, möchte ich eine Art Bauernkalender des Theaters nennen, ein bedenkenloses Führen von Konturen, die durch Generationen von Künstlern gegangen sind, dann volkstümlich korrumpiert wurden ... .“

Das identifiziere ich mit dem, was Reiner Schmedemann als „folkloristisch“ ausweist in seiner Besprechung. Vor diesem Hintergrund kann man die Inszenierung des Stückes in der Tat nur als „ambitioniert“ bezeichnen und für den Mut, der notwendig viel Fragliches offen läßt, nur loben. Leider geraten die meisten „Nebenpersonen“ in der Inszenierung dann doch zu sehr zur Karikatur, so sehr, daß hier weder das Zeitstück genügend Spannung aufbauen kann noch das Stück von der Erfindung des inneren Menschen, welcher das Baby immerhin zu sein verspricht, sich genügend davon lösen.